El Amanecer de las Vanguardias Artísticas

Cubismo: La Fragmentación de la Realidad

El cubismo, liderado por Pablo Picasso y Georges Braque, revolucionó la representación visual a principios del siglo XX:

1. Ruptura con la perspectiva tradicional y la representación tridimensional.
2. Uso de formas geométricas para descomponer y reconstruir la realidad.
3. Obras emblemáticas como «Les Demoiselles d’Avignon» de Picasso (1907).

Surrealismo: El Arte de los Sueños

El surrealismo, inspirado en las teorías de Freud, exploró el subconsciente y lo onírico:

1. Salvador Dalí y sus relojes derretidos en «La persistencia de la memoria» (1931).
2. René Magritte y sus juegos visuales que desafían la lógica.
3. La influencia del surrealismo en la cultura popular y la publicidad.

Abstract Expressionism: La Emoción en el Lienzo

Surgido en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, el expresionismo abstracto priorizó el gesto y la emoción:

1. Jackson Pollock y su técnica de «dripping» que revolucionó el acto de pintar.
2. Mark Rothko y sus campos de color que invitan a la contemplación.
3. La afirmación de Nueva York como nuevo centro del mundo artístico.

La Transformación del Espacio: Arquitectura Moderna

Bauhaus: La Fusión de Arte y Funcionalidad

La escuela Bauhaus, fundada por Walter Gropius en 1919, sentó las bases del diseño moderno:

1. Integración de artesanía y tecnología en la arquitectura y el diseño.
2. Énfasis en la funcionalidad y la simplicidad de formas.
3. Influencia duradera en la arquitectura, el diseño gráfico y el diseño industrial.

Le Corbusier y los Cinco Puntos de la Arquitectura

Le Corbusier, uno de los padres de la arquitectura moderna, propuso una nueva forma de concebir el espacio:

1. Pilotis: elevación del edificio sobre pilares.
2. Planta libre: flexibilidad en la distribución interior.
3. Fachada libre: separación entre la estructura y el cerramiento.
4. Ventana horizontal: maximización de la luz natural.
5. Cubierta-jardín: recuperación del espacio verde perdido en la planta baja.

Mies van der Rohe: Menos es Más

Ludwig Mies van der Rohe llevó el minimalismo a nuevas alturas:

1. El Pabellón Alemán de Barcelona (1929): un hito de la arquitectura moderna.
2. El edificio Seagram en Nueva York: la perfección del rascacielos de cristal y acero.
3. La influencia de su estilo en la arquitectura corporativa del siglo XX.

Desafiando los Límites: Movimientos Postmodernos

Pop Art: El Arte de lo Cotidiano

El Pop Art, encabezado por Andy Warhol, difuminó las líneas entre alta cultura y cultura popular:

1. Apropiación de imágenes de la cultura de masas y la publicidad.
2. Técnicas de reproducción en serie como la serigrafía.
3. Obras icónicas como las latas de sopa Campbell y los retratos de Marilyn Monroe.

Minimalismo: La Esencia de la Forma

El minimalismo en el arte y la arquitectura buscó reducir la expresión a sus elementos esenciales:

1. Esculturas de Donald Judd: objetos específicos que desafían la definición tradicional de arte.
2. Pinturas monocromáticas de Frank Stella que exploran la relación entre el lienzo y el espacio.
3. La influencia del minimalismo en la arquitectura contemporánea y el diseño de interiores.

Arquitectura Deconstructivista: Desafiando la Gravedad

El deconstructivismo, surgido en los años 80, cuestionó las formas y estructuras tradicionales:

1. Frank Gehry y el Museo Guggenheim de Bilbao: un edificio que parece desafiar las leyes de la física.
2. Zaha Hadid y sus diseños fluidos que fusionan forma y función de maneras innovadoras.
3. La influencia del deconstructivismo en el diseño urbano y la percepción del espacio público.

El Legado del Siglo XX en el Arte y la Arquitectura Contemporáneos

Interdisciplinariedad y Fusión de Medios

El siglo XX sentó las bases para una mayor experimentación y colaboración entre disciplinas:

1. Instalaciones que combinan arte visual, sonido y performance.
2. Arquitectura que incorpora elementos de arte y diseño digital.
3. El auge de espacios museísticos que son obras de arte en sí mismos.

Sostenibilidad y Conciencia Ecológica

La última parte del siglo XX vio un creciente interés por la sostenibilidad en el arte y la arquitectura:

1. Land Art: intervenciones artísticas que dialogan con el paisaje natural.
2. Arquitectura verde: edificios diseñados para minimizar su impacto ambiental.
3. Uso de materiales reciclados y sostenibles en la creación artística.

Globalización y Diversidad Cultural

El siglo XX vio una creciente interconexión global que influyó profundamente en el arte y la arquitectura:

1. Intercambio de influencias estéticas entre Oriente y Occidente.
2. Surgimiento de voces artísticas de culturas anteriormente marginadas.
3. Arquitectura que fusiona estilos locales con tendencias internacionales.

Conclusión: Un Siglo de Transformación y Legado

El arte y la arquitectura del siglo XX representan un período de transformación sin precedentes en la historia de la creatividad humana. Desde las vanguardias que rompieron con siglos de tradición hasta los rascacielos que redefinieron nuestras ciudades, este siglo nos dejó un legado de innovación, experimentación y desafío a lo establecido.

Los movimientos y figuras que hemos explorado no solo cambiaron la forma en que vemos y experimentamos el arte y la arquitectura, sino que también influyeron profundamente en nuestra cultura visual cotidiana. El cubismo alteró nuestra percepción de la realidad, el surrealismo nos invitó a explorar nuestro subconsciente, y el modernismo en arquitectura redefinió la forma en que vivimos y trabajamos.

A medida que avanzamos en el siglo XXI, el impacto del siglo pasado sigue siendo profundamente sentido. Los artistas y arquitectos contemporáneos continúan dialogando con las ideas y técnicas desarrolladas por sus predecesores, ya sea para expandirlas, cuestionarlas o subvertirlas.

El arte y la arquitectura del siglo XX nos recuerdan la capacidad humana para la innovación y la reinvención. Nos desafían a ver el mundo de manera diferente, a cuestionar nuestras suposiciones y a imaginar nuevas posibilidades. En un mundo que enfrenta desafíos sin precedentes, desde el cambio climático hasta la rápida urbanización, las lecciones y el espíritu de experimentación del siglo XX siguen siendo tan relevantes como siempre.

Mientras reflexionamos sobre este extraordinario período de la historia cultural, nos encontramos no solo mirando hacia atrás con asombro, sino también hacia adelante con anticipación. ¿Qué nuevas formas de expresión y diseño surgirán en las próximas décadas? ¿Cómo continuarán los artistas y arquitectos empujando los límites de lo posible? Solo el tiempo lo dirá, pero una cosa es segura: el legado del arte y la arquitectura del siglo XX seguirá inspirando, provocando y transformando nuestro mundo en los años venideros.

The post Revolución y Vanguardia: Arte y Arquitectura del Siglo XX appeared first on Buja On Marl Deazam.

Una sala de conciertos de primer nivel tiene un buen aspecto, ofrece mucho espacio, buen aislamiento y calidad de sonido. Con estas ideas en mente, estas son algunas de las mejores salas de conciertos del mundo.

10 mejores salas de conciertos

1. Sala de conciertos del Centro de Cultura y Congresos, Suiza

La mayoría de las salas de conciertos están diseñadas para una orquesta residente y su estilo. Este de Lucerna, Suiza, es ligeramente diferente. No sólo tiene un aspecto increíble, sino que tiene una larga reverberación que permite reproducir todo tipo de música, desde música clásica hasta música pop.

La cámara de reverberación se extiende por el exterior, pero a veces las puertas de acceso también se abren para música coral y de órgano, por lo que el sonido imita lo que normalmente se escucharía en una catedral.

2. Bridgewater Hall, Reino Unido

Las salas de conciertos deben estar bien aisladas para garantizar un sonido de alta calidad. Eso es exactamente lo que hace que Bridgewater Hall de Manchester, Reino Unido, sea tan popular.

La sala está tan bien aislada que los trabajadores que estaban dentro del auditorio no pudieron oír el ataque terrorista del IRA de 1996, pero rompió todas las ventanas de la zona. Hoy en día, la sala acoge a tres orquestas locales.

3. Filarmónica de Berlín, Alemania

Ya sea por accidente o por una genial planificación, este diseño de 1963 aumenta la calidad del sonido simplemente dividiendo a la audiencia. El concepto de terrazas de viñedos significa que se utilizan paredes para dividir al público. De esta manera, también llega más sonido al público desde los lados laterales.

4. Filarmónica de París, Francia

Todo en esta sala de conciertos está agradablemente curvado en una obra maestra visual. Si bien parece una cuestión de diseño únicamente, la verdad es que estas curvas fueron diseñadas para ofrecer reflejos de sonido superiores a las personas. El lugar también cuenta con su propio museo para aquellos interesados en la historia de la música.

5. Sala de conciertos y centro de conferencias Harpa, Finlandia

Esta es una de las salas de conciertos más impresionantes del mundo, al menos en términos de diseño y efectos. Inspirada en la aurora boreal, la gran escultura está situada entre el mar y la tierra. Es brillante y refleja la luz de innumerables maneras, solo para aumentar el efecto general.

6. Ópera de Harbin, China

Esta ópera fascina por su aspecto futurista. Destaca su forma elíptica, sobre todo porque se encuentra en una zona de inviernos intensos. Su apariencia lo hace sentir como si lo hubiera dejado allí una civilización alienígena. Pero no todo es cuestión de diseño, ya que la calidad del sonido es igual de alta.

7. La Ópera de Copenhague, Dinamarca

Situada cerca del mar, esta sala de conciertos tiene el público distribuido en 14 plantas. Tiene más de 1.100 habitaciones e impresiona por su apariencia y calidad de sonido, principalmente por el diseño único de su techo.

Las entradas para los conciertos aquí se agotan bastante rápido, por lo que tendrías que ser rápido. Puede reservar las entradas en la popular plataforma Stubhub después de leer esta revisión sobre Is Stubhub legítimo. Por supuesto, pero claro, tendrás que darte prisa.

8. La Sala Sibelius, Finlandia

La Sala Sibelius es una ópera relativamente moderna pero con un aspecto clásico. Lo más importante es que su espíritu acústico lo hace único en el mundo debido al diseño de madera alrededor del escenario, que reverbera como ningún otro material.

9. Sala de conciertos de la Ópera de Tokio, Japón

Esta sala parece una gran sala cuadrada, pero si miras el techo, te sorprenderán los intrincados diseños. Aunque no se utiliza habitualmente, esta forma garantiza una acústica excelente. Desde este punto de vista, es una de las salas de conciertos más deseadas del mundo entre los artistas.

10. Auditorio del Ayuntamiento de Christchurch, Nueva Zelanda

Esta sala se basa en una teoría que afirma que el sonido debe reflejarse en las paredes para llegar al público desde el lateral y lograr una mejor acústica. Eso es exactamente lo que ha hecho el arquitecto para conseguir un sonido envolvente de forma natural.

El diseño revolucionario se basa en numerosos paneles de madera, así como en un enorme tipi encima de los asientos.

Aunque la lista puede ser más larga, estas son, con diferencia, algunas de las salas de conciertos más famosas del mundo, ya sea en términos de diseño, acústica o ambos.

The post 10 diseños extraordinarios de salas de conciertos appeared first on Buja On Marl Deazam.

Su pasión por pintar paisajes influyó en la creación de una técnica especial de trazos expresivos: la falta de profundidad y de detalles descriptivos. El artista destruyó los estereotipos habituales e introdujo al público en un mundo sobrenatural: para el impresionista, el arte nunca fue una ventana a la realidad, sino una forma de ser abierto y sincero. Monet se aferró a los momentos para plasmarlos en sus obras. Y plasmó unos 200 momentos en 200 lienzos, entre ellos Desayuno en la hierba, Lilas al sol, Boulevard des Capucines y otros.

Edgar Degas
Edgar Degas se caracterizaba por «observar sin pintar, y pintar sin observar» – nos queda por interpretar esta encantadora frase tal y como la conocemos. No aprobaba el deseo de los impresionistas de trabajar al aire libre. En general, se acercó a ellos por su deseo de alejarse de las plantillas académicas, abordando los temas de la vida contemporánea y la representación veraz de momentos de la vida. Algunos de sus cuadros más famosos fueron: «Lección de baile», «El jockey herido», «Planchadores», «Jockeys frente a las gradas», «En casa del modisto» y otros.

En la década de 1870, el artista se interesó por el tema del ballet. Tanto es así que hoy en día se le asocia principalmente con las bailarinas y el ballet. Adoraba representar mujeres, pero, como ven, esto no es nuevo para el artista – muchos artistas aprecian la belleza y la gracia, tienden a poetizar a las mujeres. ¿Qué es lo que distingue a las bailarinas de Degas? El hecho de que no fueran representadas en todo su esplendor, sino más bien al contrario: durante sus días de trabajo entre bastidores, vistiéndose con trajes, preparándose para salir al escenario. Estos temas pueden verse en los cuadros «Bailarinas en un ensayo» (1874), «Bailarina en casa del fotógrafo» (1875), «Esperando» (1880), «Dos bailarinas» (1898), etc.

También era aficionado al pastel, que combina las cualidades de la pintura y la gráfica al mismo tiempo. Un rasgo característico de su técnica eran las líneas: el artista transmitía los cambios de color principalmente con la ayuda de líneas, mientras que los impresionistas tendían a transmitir el color a través de trazos.

Su principal forma de pintar ha sido siempre la composición argumental. Revela vívidamente los rasgos característicos de la personalidad creativa del artista – naturalidad y extraordinaria vigilancia de la visión artística, vivo interés por la transmisión del movimiento, despiadado, casi imparcial análisis y al mismo tiempo burlona ironía.

Camille Pissarro

Camille Pissarro es el más antiguo de los impresionistas. La vida del artista fue difícil, pero participó en casi todas las exposiciones, por lo que se convirtió en el «patriarca» de este movimiento. Tras conocer a Monet y su talento, tomó de él prestado el principio de la descomposición del color. Pissarro fue capaz de utilizar en su arte absolutamente todas las técnicas que había aprendido de sus maestros.

El cuadro «Paisaje en Montmorency» (1859), presentado en el Salón, fue un gran éxito. El paisaje pastoral reproduce una escena de la vida rural, espiada por el artista cerca de una de las granjas. Las cortas sombras horizontales sugieren que el cuadro fue creado al mediodía de un día soleado. La paleta neutra del pastel contrasta con las primeras obras del periodo «parisino» de la obra de Pissarro. A pesar del evidente éxito que supuso su admisión en el Salón, los cuadros del joven artista siguieron vendiéndose a un precio ridículo.

Pierre-Auguste Renoir
Pierre Renoir fue un pintor impresionista francés que rara vez acudía al plein air. Le interesaban los juegos de luz y las manchas solares cuando caían sobre la delicada piel de una mujer o los cabellos dorados de un niño.

Siempre se inspiraba en la gente. Realizó todos los principios fundamentales del impresionismo en los retratos de sus parientes, amigos, clientes ricos, modelos favoritos, a veces muy famosos e influyentes.

Las peculiaridades de la obra del artista eran la emotividad, la fugacidad y el rápido esbozo pintoresco. En constante búsqueda de la verdad artística, en diferentes periodos de su vida cambió radicalmente la forma de pintar y probó nuevas soluciones cromáticas: a veces se centraba en la claridad del cuadro, otras renunciaba a la paleta clara en favor del rojo intenso o el negro. Los cuadros más famosos: «Baile en el Moulin de la Galette», «Desayuno de remeros», «Retrato de la actriz Jeanne Samari», «En un columpio», «Paraguas», «Retrato de la señora Charpentier con niños» y otros.

Paul Cézanne
Como persona, Paul Cézanne era bastante egocéntrico y poco sociable, pero como artista era un genio. Las primeras obras de Paul están influidas por Delacroix. Son igual de románticas y apasionadas porque están pintadas con una paleta oscura y trazos amplios. Además, él prefería un fondo oscuro, mientras que los impresionistas solían elegir el blanco. Se trata, por tanto, de lienzos salvajes y sombríos con temas espeluznantes, como secuestros o asesinatos. El tema terrorífico continúa en el cuadro «Autopsia» (1869). Estas obras escandalizaron al jurado de la exposición del Salón de la época, pero ahora se consideran una etapa importante en el desarrollo creativo del maestro. Eran pinturas emotivas que reflejaban su estado de ánimo.

The post Representantes del impresionismo en la pintura appeared first on Buja On Marl Deazam.

Los avances industriales y tecnológicos cambiaron la forma de diseñar los edificios. Los conceptos y características resultantes siguen inspirando los diseños contemporáneos.

Moderno: formas geométricas y elementos vegetales

Tras el lujo y la extravagancia del siglo XIX, los «padres del modernismo» tomaron un camino completamente distinto: sus estilos vanguardistas contrastaban fuertemente con el historicismo y su estética pomposa.

Combinando artesanía y expresión creativa, el Art Nouveau se convirtió en el precursor de la arquitectura modernista del siglo XX. Gracias a las obras de Antoni Gaudí, Otto Wagner o Joseph Hoffmann, este movimiento alcanzó su apogeo entre 1890 y 1910.

Expresionismo: puntiagudo, redondeado, dentado

Entre 1910 y 1925, los arquitectos del centro y norte de Europa intentaron visualizar sus emociones a través de un nuevo estilo de construcción. El expresionismo se alejó del enfoque objetivo y racional del funcionalismo, que estaba ganando popularidad en aquella época. Famosos representantes de la arquitectura expresionista de principios del siglo XX fueron Erich Mendelssohn, Fritz Hager, Hans Polzig y Bruno Taut.

Funcionalismo: sencillo y claro

El término «funcionalismo» hace referencia a un nuevo enfoque que sentó las bases de varias épocas arquitectónicas del siglo XX. Diseñadores y arquitectos se centraron en la finalidad y utilidad de los edificios: pioneros como Le Corbusier siguieron un concepto basado en la razón y la lógica. Durante el periodo de construcción posterior a la Segunda Guerra Mundial, el funcionalismo cobró importancia para el desarrollo urbano.

Bauhaus: menos es más

La llamada Bauhaus llevó el funcionalismo a la vanguardia a escala internacional. Lo que empezó como un experimento se ha convertido en el estilo de construcción más influyente de Alemania. A pesar de que la Escuela de la Bauhaus sólo existió entre 1919 y 1933, configuró la arquitectura del siglo XX como ninguna otra. Sus representantes más famosos son antiguos profesores, como Ludwig Mies van der Rohe y Marcel Breuer, así como el padre fundador, Walter Gropius. Hoy, la arquitectura de la Bauhaus es más popular que nunca entre los constructores. Basada en el lema «la forma sigue a la función», inspira muchos proyectos modernos.

Estilo internacional: acero, cristal, hormigón sin revocar

Desde los años 20, el funcionalismo y la Bauhaus se fusionaron en el llamado Estilo Internacional. Este movimiento demostró el concepto de arquitectura objetiva y con propósito a través de varios edificios del siglo XX en todo el mundo. Todavía se pueden encontrar rascacielos y complejos de oficinas del Estilo Internacional en muchas metrópolis de Europa y Norteamérica.

Arquitectura orgánica: curvas inspiradas en la naturaleza

Situando al ser humano en el centro de atención, la arquitectura orgánica también se conoce como «arquitectura antroposófica». Este estilo pretende diseñar edificios que se integren auténticamente en el paisaje circundante. Siguiendo a Rudolf Steiner, fundador de la antroposofía, arquitectos del siglo XX como Frank Lloyd Wright, Antoni Gaudí y Hugo Gehring se inspiraron en la naturaleza entre 1920 y 1970. El Goethaneum, sede de la Asociación General Antroposófica, y la Freie Hochschule für Geisteswissenschaft, cerca de Basilea (Suiza), son ejemplos típicos de construcción orgánica.

Deconstruccionismo: surrealista y oblicuo

A medida que las rígidas reglas del funcionalismo eran cada vez más criticadas, surgió una nueva tendencia en la década de 1980. La tecnología moderna abrió nuevas posibilidades y allanó el camino a estilos experimentales como el brutalismo y el deconstructivismo.

En el contexto de la arquitectura del siglo XX, deconstructivismo no significa únicamente la «deconstrucción» literal de los edificios. Más bien, este estilo pretendía romper con las convenciones arquitectónicas posmodernas. Su padre fundador, Frank Gehry, diseñó su residencia privada basándose en los principios del deconstructivismo en 1988. Posteriormente, famosos arquitectos del siglo XX como Zaha Hadid, Bernard Chumi y Daniel Libeskind crearon obras maestras con las mismas características.

The post Una mirada a diferentes épocas appeared first on Buja On Marl Deazam.

Fauvismo (1905-1908)

El fauvismo, derivado del término les fauves, que significa «bestias salvajes» en francés, se refiere al movimiento artístico de principios del siglo XX, caracterizado por el abandono del representacionalismo del impresionismo en favor de técnicas pictóricas abstractas. En concreto, el fauvismo rechazó la paleta suave y pastel del impresionismo y optó por el color atrevido. Esto revolucionó el uso del color y la distorsión del sujeto en el arte moderno.

Expresionismo (~1905-1920)

El expresionismo fue un estilo vanguardista que se originó en Alemania a principios del siglo XX y puede caracterizarse por obras evocadoras y emotivas que suelen ser abstractas. Se rechazaba el uso de la representación tradicional en favor de la transmisión de la emoción o el significado de la obra. Este uso de la expresión temática en lugar de la literal revolucionó las bellas artes occidentales y fue precursor de muchos otros movimientos del siglo XX.

Cubismo (1907-1914)

El cubismo se considera uno de los movimientos más influyentes del arte del siglo XX y es conocido por su reducción de objetos a formas geométricas o «cúbicas» para crear una perspectiva más tridimensional. El movimiento puede dividirse en dos etapas: el cubismo analítico y el cubismo sintético. Las primeras obras cubistas (analíticas) suelen ser más austeras y monocromáticas, con tonos negros y grises, mientras que las obras cubistas posteriores (sintéticas) tienen colores más vivos y la incorporación de elementos externos para el collage.

Futurismo (1909-1914)

El futurismo fue fundado por el poeta Filippo Tommaso Marinetti en Milán a principios del siglo XX. Al igual que sus predecesores, el Futurismo hacía hincapié en la abstracción y la representación no convencional. Valoraba la velocidad, la intuición, la juventud y la modernidad, y actuaba como una forma de liberación para Italia de su difícil historia. Aunque radicado en Italia, su influencia se extendió también a otros países europeos.

Dadaísmo (1915-1924)

El dadaísmo se desarrolló durante la Primera Guerra Mundial en Zúrich como movimiento vanguardista y antiartístico. Rechazaba y ridiculizaba el clima cultural capitalista y nacionalista de la Primera Guerra Mundial, centrándose en lo irracional, lo insensato y lo absurdo con fuertes connotaciones antiburguesas. El movimiento se extendió por Europa y Estados Unidos, haciéndose eco del pensamiento radical de extrema izquierda y del descontento general con la violencia de los tiempos de guerra.

Surrealismo (1924-1966)

Muy influido por Sigmund Freud y el psicoanálisis, el Surrealismo buscaba la expresión a través de la exploración del subconsciente. Sus imágenes se caracterizaban por escenarios inquietantes y oníricos con objetos yuxtapuestos y a menudo deformados. Evolucionado a partir del dadaísmo vanguardista, el surrealismo comenzó en Europa y se extendió por todo el mundo occidental como movimiento cultural, artístico y literario.

Expresionismo abstracto (1943-1965)

El expresionismo abstracto, surgido en Nueva York tras la Segunda Guerra Mundial, fue el primer gran movimiento artístico internacional originado en Estados Unidos y no en Europa. Se inspira en el automatismo surrealista y se centra en la abstracción del tema. Su estilo se caracteriza por pinceladas atrevidas y caóticas y colores vivos y brillantes. Como movimiento de posguerra, es también un importante precursor de estilos posteriores del arte posmoderno.

Arte pop (años 50-70)

El arte pop ganó popularidad en Estados Unidos y el Reino Unido durante las décadas de 1950 y 1960, inspirándose en elementos de los medios de comunicación y la cultura popular. Las obras solían incluir elementos yuxtapuestos o contradictorios de cómics, revistas y anuncios, colocados juntos para resaltar la banalidad de la cultura popular. A menudo irónico o satírico, el Pop Art pretendía subvertir las «bellas artes» tradicionales.

Minimalismo (años 60-70)

El minimalismo surgió en Nueva York en la década de 1960 como precedente de un alejamiento del «arte elevado» tradicional. En lugar del lujo, la belleza y la expresión, el minimalismo se centró en la brutalidad, las formas geométricas, los colores apagados y el anonimato. La mayoría de los elementos biográficos o emocionales se eliminaron del arte minimalista, llamando la atención sobre la simplicidad de la propia forma como objeto.

Postmodernismo (década de 1980 – actualidad)

El posmodernismo no puede caracterizarse por elementos específicos. Más bien puede describirse como una divergencia general del modernismo, que incluye otros movimientos artísticos del siglo XX como el arte conceptual y el neoexpresionismo.

The post Breve cronología de los movimientos artísticos visuales del siglo XX appeared first on Buja On Marl Deazam.