El futurismo es el arte del antihumanismo, que se supone refleja la llegada de la era de la tecnología. El futurismo puede expresarse en tres palabras «M»: ciudad, máquina y masa. Dos características principales del futurismo: en primer lugar, el nuevo arte no se interesa en absoluto por los seres humanos. El psicologismo se declara anarquismo. El psicologismo es un rasgo característico de la literatura burguesa moribunda. Si te interesa el alma, aprende la máquina. En segundo lugar, este arte se caracteriza por un dinamismo excepcional, la poetización del movimiento, la velocidad y la búsqueda visual de medios para representar el movimiento. Detenerse es malo, así que los futuristas utilizaron los siguientes principios de dinamización («aceleración») de su texto artístico: los textos se escribían sin puntuación, sin mayúsculas ni minúsculas. Según los futuristas, los adjetivos y las preposiciones son los que más obstáculos crean al movimiento. El verbo pasa a primer plano. El futurismo es una negación total, incluso de la estética. El ruido de la ciudad se considera la música de la ciudad. Predominaba la poetización de lo feo y la antiestética: algunos futuristas, por ejemplo, publicaban sus obras en papel pintado.

Rasgos definitorios del futurismo:

• rechazo de la cultura tradicional (especialmente de sus valores morales y artísticos);
• deseo de innovación, rebeldía y ruptura de tradiciones;
• cultivo del urbanismo (estética de la industria maquinista y la gran ciudad);
• entrelazamiento del material documental con la ficción;
• en poesía, la destrucción del lenguaje convencional, el uso de «palabras libres».

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Una de las tendencias más controvertidas en el ámbito artístico es el surrealismo, que se originó hace unos cien años y sigue vigente en las obras de los contemporáneos. Pero, ¿qué es esta «mirada especial» y cuál es la esencia de una interpretación tan inusual de la realidad?

¿Surrealismo o qué es «la realidad a través de un sueño»?

Trabajar con lo paradójico, distanciarse de imágenes familiares y coquetear con aspectos psicológicos fascinó seriamente a la élite creativa de principios del siglo XX.

Sin embargo, la palabra original francesa «surréalisme» no se utilizó por primera vez hasta junio de 1917, cuando en un teatro de Montmartre se estrenó «Los pechos de Teresa», una «farsa-drama cómica» del famoso artista de vanguardia Guillaume Apollinaire.

Sin embargo, el propio autor prefería utilizar este término en un sentido aún más restringido: «al otro lado de la realidad». Fue esta tesis la que propuso otro francés, el talentoso poeta de choque André Breton, autor del primer Manifiesto del Surrealismo, publicado en 1924.

Gracias a Breton, la formación «oficial» de la ideología surrealista comenzó entre artistas y escritores que buscaban explorar las profundidades del subconsciente humano con el fin de utilizarlo para reflejar otra realidad, completamente distinta de la habitual.

Así pues, utilizando estas características, podemos concluir que el surrealismo es, en pocas palabras, una corriente especial del arte, una de las tendencias actuales de la vanguardia europea, cuyos seguidores intentan trascender la mundanidad de la realidad existente y comunicarse con el mundo que les rodea en el plano de las emociones puras.

Las raíces de la ideología

En cuanto al propio proceso de formación de este movimiento poco convencional, cabe destacar la importancia de las condiciones históricas previas. En primer lugar, aclaremos que el surrealismo es una especie de «coste» del desarrollo lógico del dadaísmo, de su evolución ideológica.

El breve periodo de dominio del dadaísmo (aproximadamente 1915-1923) estuvo marcado por la rápida destrucción de los cánones de la estética tradicional. Dado que se basaban exclusivamente en la belleza natural, los artistas fueron desplazando gradualmente su atención del mundo físico a las dimensiones psicológicas.

A ello contribuyó el ambiente de acontecimientos activos en la vida social, política y cultural, apoyados por las teorías del psicoanálisis de Sigmund Freud, muy populares en el ambiente creativo, especialmente su exposición analítica del estudio de los sueños.

El surrealismo es una combinación de sueño y realidad. Una combinación absurda y contradictoria de imágenes naturalistas. Las raíces de esta palabra se encuentran en la lengua francesa (superrealismo). Este movimiento artístico se formó en el mundo del arte a principios de la década de 1920. Se caracteriza por una pasión por lo bizarro e irracional, que no responde a las normas generalmente aceptadas.

Según André Breton, el surrealismo es puro automatismo psíquico, que pretende expresar, ya sea oralmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento, el dictado del pensamiento más allá de cualquier control de la mente, más allá de cualquier consideración estética o moral.

El deseo de situar la espiritualidad en la cima de la materialidad empujó a los adeptos de la nueva corriente a experimentos inesperados y, por regla general, provocadores. Por ejemplo, a principios de los años treinta se extendió especialmente la llamada «letra automática», en la que un lápiz o un pincel no eran controlados por la mente, sino por un conjunto aleatorio de reacciones subconscientes.

A menudo, para estimular el proceso creativo, muchas personas no desdeñaban recurrir a prácticas muy dudosas como

• la inmersión en trance
• el autoentrenamiento;
• la hipnosis profesional y amateur;
• diversos psicoestimulantes.

Algunos incluso utilizaron los efectos de la inanición, con la esperanza de que un cuerpo debilitado provocara con mayor probabilidad un estado parecido y/o cercano al sonambulismo.

Aunque la imaginería surrealista perdió posteriormente su novedad, primero en las artes visuales y luego en la literatura, los cineastas siguieron utilizando los desarrollos de la automaticidad y el «engaño visual» en sus películas hasta finales de la década de 1960.

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El abstraccionismo es un movimiento de las artes visuales del siglo XX que rechaza por completo la representación realista de objetos y fenómenos (dadaísmo, cubismo, surrealismo).

La definición más famosa de abstraccionismo pertenece al apologista de este movimiento, el crítico de arte y artista francés M. Seurat. Llamó abstracto a todo arte que no contiene ningún recuerdo de la realidad, ninguna respuesta a esta realidad. Es el arte «sin objeto». De hecho, es difícil encontrar algo en los lienzos de los abstraccionistas que se parezca al mundo ordinario que nos rodea.

El abstraccionismo puede considerarse una victoria perfecta de los principios de deshumanización del arte. Estos principios son: ausencia de argumento; superación del modo antropomórfico de existencia artística (negativa a representar cualidades humanas, peculiaridades del pensamiento que programan nuestra percepción de la realidad); antimimetismo (no herencia de las formas de la realidad, negativa a reproducirla); fragilidad estructural, desarmonía, incertidumbre y entrada formal en el «cero completo»; creación de un lenguaje fundamentalmente distinto del texto, una nueva gramática, cuyas reglas son la arbitrariedad, el movimiento, el ritmo, la disposición de las masas de color en el espacio. El abstraccionismo no es un reflejo del mundo exterior e interior, sino la creación de otra realidad, una armonía soberana sin tener en cuenta la realidad y la humanidad.

La nueva generación de abstraccionistas que llegó al arte después de la Segunda Guerra Mundial (J. Pollock, W. de Kooning, etc.), continuando la búsqueda de los abstraccionistas de principios de siglo, desarrolló nuevas técnicas y medios. En particular, el pintor estadounidense Jackson Pollock (1912 – 1956) se convirtió en el fundador del «expresionismo abstracto». Puso el acento en el propio proceso de creación artística, que se convirtió en un fin en sí mismo. Este es el origen de la llamada pintura de acción. En el proceso de trabajo, el artista aplica pinturas al lienzo de forma caótica e impulsiva. Para ello utiliza no sólo pinceles, sino también palos, cucharas, etc. Todo ello respondía al principio de automatismo psicológico, que también se utilizaba en el Surrealismo.

El abstraccionismo es un fenómeno extremadamente controvertido en términos culturales y estéticos. Por un lado, los experimentos de los abstraccionistas en el campo de la armonización del color y la forma son utilizados activamente por artistas de distintas direcciones, aplicados en el diseño, las artes aplicadas, el cine, el teatro y la televisión. Por otro lado, el abstraccionismo elimina de hecho el criterio de habilidad artística y abre el camino del arte a personas que están lejos de él.

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Los artistas estaban en búsqueda. La mayoría de sus descubrimientos enriquecieron nuestra comprensión del mundo y del hombre. Fueron ellos quienes determinaron el desarrollo de las bellas artes a lo largo del siglo XX.

Sin embargo, con toda la variedad de tendencias artísticas de las bellas artes de principios del siglo XX, se observan dos tendencias: por un lado, continúa el desarrollo de los principios del arte realista y, por otro, se buscan nuevos medios artísticos de comprensión de la realidad diferentes de los realistas. Al mismo tiempo, no sería del todo correcto hablar de oposición entre realismo y modernismo en el arte del siglo XX. Muchos grandes artistas buscaron estas dos direcciones. Las aspiraciones realistas y vanguardistas de los artistas dependían de las tareas que se propusieran.

Las peculiaridades del desarrollo de la cultura artística del siglo XX pueden apreciarse claramente en el arte de Francia. Allí aparecieron por primera vez el fauvismo y el cubismo. En 1905, un grupo de jóvenes artistas expuso sus obras en el Salón de Otoño de París. Entre ellos estaban:

• Maurice Vlaminck;
• Georges Rouault;
• André Derain;
• Kees van Dongen;
• Albert Marcie;
• Henri Matisse.

Sus atrevidas combinaciones de colores, brillantes como címbalos, y su audaz desprecio por las reglas de la pintura provocaron un escándalo. En su reseña de la exposición en el Salón de Otoño de 1905, el crítico parisino Louis Vexel llamó «fauves» («salvajes») a Matisse y sus socios. Con su mano ligera, el nombre de «fauves» quedó unido a este grupo de artistas.

Los fauves no pretendían reflejar la vida real en sus obras. El mundo que les rodeaba era sólo un impulso, un motivo para expresar sus sentimientos y pensamientos a través de la armonía del color.

A los fauvistas no les interesaba la forma de los objetos, abandonaron la construcción tridimensional de la composición, el claroscuro y la transmisión de la perspectiva aérea. Para ellos, el color y la línea se convirtieron en los principales medios de expresión artística. Los fauvistas utilizaron con audacia y atrevimiento colores sonoros y sin mezclas, colocándolos sobre la superficie del lienzo en combinaciones inusuales y contrastadas, buscando una expresividad emocional y colorista especial. Parecía que llenar el lienzo de imágenes planas, la armonía cromática de las pinturas se convertía para ellos en un fin en sí mismo. La mayoría de ellos consideraban a Van Gogh su maestro e ídolo, quien predijo que «sólo un colorista sin precedentes» podría llegar a ser un artista de las generaciones futuras. También les influyó la pintura plana de Gauguin.

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El cubismo surgió en un periodo de crisis de la sociedad, cuando la humanidad estaba derrotada y profundamente conmocionada por una serie de graves sacudidas en forma de Primera Guerra Mundial y revoluciones. Según el crítico de arte inglés Ernst Gombrich, debemos la aparición de este estilo futurista principalmente al maestro francés Paul Cézanne. Fue él quien demostró por primera vez la simplificación de los objetos a formas geométricas ordinarias. En su famosa respuesta a Picasso, aconsejó «considerar la naturaleza como un conjunto de formas simples». Paul Cézanne quería decir que todo en el mundo descansa sobre una base, pero sus amigos se tomaron sus palabras al pie de la letra. Al propio Cézanne le gustó el resultado. Empezó a distorsionar deliberadamente la perspectiva para dar cabida a facetas más diversas del objeto representado.

La difusión de la tendencia se justificaba por su carácter inusual. Así, una oleada de cubistas se extendió gradualmente por toda Europa. El movimiento fue especialmente vivo en Praga. En esta bella ciudad surgió la unión creativa «Grupo de Artistas», formada por dos artistas progresistas B. Kubišť y E. Fill.

Características de la pintura cubista

Tradicionalmente, los historiadores del arte dividen la formación de esta corriente estilística en tres etapas de desarrollo:

• Tradicional o Cezanne proviene del nombre del famoso artista francés Paul Cezanne. La principal tarea del creador era transmitir la realidad sobre el lienzo a través del prisma de formas geométricas simples. Esta visión obligaba a los artistas a tener en cuenta los patrones cromáticos. Así, las figuras representadas en primer plano se pintaban en su mayoría con colores cálidos, mientras que las del fondo se pintaban con colores más fríos y sombríos.
• El cubismo analítico se distingue por el hecho de que los límites espaciales característicos de la forma simplemente se borraban. En aquella época, el principal ayudante del maestro eran los desbordamientos de color, a menudo utilizando intersecciones de figuras translúcidas. Varios planos se disponen a menudo en un orden completamente caótico.
• El cubismo sintético se basa en el uso de texturas o texturas inusuales. Para ello, los artistas creaban inicialmente aplicaciones en lugar de dibujos. Al cabo de un tiempo, los autores se dieron cuenta de que no era necesario utilizar papel adicional para crear una composición.

Los investigadores incluyen los siguientes rasgos característicos

• el uso de formas geométricas
• distorsión de la perspectiva;
• oscurecimiento de las figuras del fondo
• iluminación de las figuras del primer plano;
• descomposición de objetos reales en formas primitivas.

El cubismo en pintura es una palabra nueva, una forma diferente de ver las cosas conocidas. El artista, como un especialista meticuloso, analiza todo en detalles y lo expone ante el público, mostrando facetas ocultas.

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Se concede un papel especial a la impresión instantánea, una situación que se produce en el espacio durante un breve espacio de tiempo, pero que afecta profundamente al mundo interior del artista.
Gracias al desarrollo de la ciencia y la tecnología, la visión del mundo de la gente empezó a cambiar. Unas palabras sobre la pintura. Se crearon nuevas pinturas, más baratas y accesibles, y se utilizaron nuevos pinceles.

Después de que Newton estudiara la estructura del rayo solar y el hecho de que la luz se descompone en siete colores. Es decir, la hierba verde no es sólo verde, una flor roja es sólo roja, y cada objeto tiene muchos matices que cambian según la iluminación y cómo caiga la sombra. Estos y otros muchos descubrimientos obligaron a los artistas a buscar nuevas formas de representación, a poner en práctica sus habilidades y conocimientos, a probar y cambiar los conocidos cánones de la pintura.

El impresionismo se originó en Francia. Las obras de un grupo de jóvenes artistas que representaban una nueva tendencia artística no quisieron ser expuestas en un salón de arte, los críticos las ridiculizaron y el público no las aceptó. Sin embargo, con el tiempo, el Impresionismo entraría en el mundo del arte en pie de igualdad con el Expresionismo, el Futurismo, el Cubismo y muchas otras tendencias del Modernismo.

Para el Impresionismo, no es tan importante lo que se representa en el cuadro, sino cómo se representa. Los impresionistas fueron de los primeros en pintar al aire libre, sin finalizar sus obras en el estudio. El movimiento artístico del impresionismo se basa en captar impresiones, observaciones y empatía.

En el arte del impresionismo, los autores de obras, canciones, esculturas, literatura y muchas otras ramas del arte que abrazaron esta corriente, el objetivo principal y la técnica del estilo no era representar el tema en sí, sino la impresión que causaba.

Los artistas impresionistas querían que la gente viera, sintiera y expresara sus pensamientos. Los artistas querían subrayar que nuestra visión del mundo se basa en sentimientos, que podemos cambiar.

Los impresionistas ven el mundo de otra manera, no como existe. Tratan de captar en el sujeto lo que otros son incapaces de ver, y expresarlo de forma que evoque las emociones adecuadas en una persona, como las que experimenta el propio autor. Pero estas emociones no siempre son positivas. Los autores reflejan en sus obras la verdad del mundo que les rodea o del tema, sea cual sea.

Los impresionistas, por regla general, no se basaban en la razón, como escribieron C. Pissarro, Auguste Renoir y otros. Se basaban principalmente en los sentimientos. Algunos de los autores creían que se debía a que la visión científica del mundo no les permitía comprender y sentir las otras cosas en las que hacían hincapié los impresionistas. En otras palabras, no importa lo que ocurra en el cerebro, lo principal es la capacidad de ver.

El impresionismo se basa en la observación, en la producción de ideas y pensamientos. El autor hace arte inmediatamente, sin aprender ninguna regla específica. Puede pintar un cuadro incompleto, pero estará completo. También puede forjar, yuxtaponer y completar ciertos fragmentos o toda la obra de un cuadro artístico.

Algunos artistas impresionistas crean obras maestras de arte no basándose en lo que ven, ni en lo que ve la gente, sino en lo que piensan en ese momento. Reflejan el mundo que ven de tal manera que causa impresión.

Un artista impresionista no muestra su inscripción artística en su totalidad, sino sólo un esbozo. Por eso el arte del Impresionismo no se refleja inmediatamente en la imagen del lector, sino que se arma como un rompecabezas en la mente.
Los impresionistas líricos no se caracterizan por el epicismo.

Escritores famosos y artistas de talento escucharon los consejos de los artistas impresionistas. Les ayudaron a crear y destacar detalles especiales en sus obras. Los impresionistas contribuyeron a dar un tono al cuadro, al tiempo que rechazaban el realismo.

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